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Deux de nos chroniques, datées de la fin mars 2017 (Du dessin au tableau au siècle de Rembrandt & Dessiner le quotidien – La Hollande au Siècle d’or), avaient, déjà, un lien avec la peinture néerlandaise du Siècle d’or (1584-1702). Petit rappel historique. Les provinces du nord des Pays-Bas deviennent indépendantes en se libérant de l’autorité espagnole (Union d’Utrecht du 23 janvier 1579). Durant cette période de tensions religieuses, elles prônent la liberté des cultes. Le calvinisme se répand grâce à une bourgeoisie enrichie par le commerce du drap et le trafic maritime. Peu à peu, la clientèle habituelle des peintres (noblesse et institutions religieuses) cède le pas à cette bourgeoisie. La puissance de celle-ci ne cesse d’augmenter, faisant des Provinces-Unies une nation prospère devenant la première puissance maritime mondiale.
Nous retrouvons cette période si féconde dans la seconde exposition organisée par la Fondation Custodia. Elle fait suite à celle consacrée aux portraits de famille peints par Frans Hals (1582/83-1664) et dont nous venons de publier la chronique (7 juillet 2019 : Portraits de famille). « Protagonistes centraux des portraits de famille, les enfants sont aussi un sujet à part entière pour beaucoup de peintres hollandais et flamands du XVIIème siècle. Tour à tour charmants, cabots, attendrissants, sages ou drôles, innocents, insupportables et bruyants, ces gamins forment une galerie étonnamment intemporelle, présentée (dans cette exposition qui) offre une sélection de tableaux et d’œuvres sur papier issus (du riche fond) de la collection Custodia. » (in plaquette de présentation). Notons que Frits Lugt, créateur de cette fondation, avait projeté une telle exposition. Prévue en 1970, elle ne vit jamais le jour du fait du décès brutal de l’historien d’art.
L’exposition offre un vaste panorama de la production artistique consacrée aux portraits individuels d’enfants. Nous commençons notre visite par trois petits tableaux (huile sur panneau) dont les peintres sont anonymes. Le « Portrait de Grietge Maertensdochter » (Pays-Bas, Frise occidentale, 1629) : le nom de l’enfant apparaît dans le coin supérieur droit. Il nous permet de dire qu’il s’agit d’une fillette, « la fille de Martin ». Malgré la présence des armoiries, le nom de la famille reste encore inconnu. Représentée en pied sur un sol dallé en damier devant un fond sombre, la fillette tient un panier de cerises. Le rouge de celles-ci met une touche de couleur dans l’ensemble ! Elle est vêtue d’une tenue sombre, coiffée d’un bonnet noir. Sur le tablier, probablement de batiste, on distingue trois grelots qui pendent à la ceinture. Le collier de corail à deux rangs fait écho au rouge des cerises. Rappelons qu’on prêtait des vertus apaisantes voire curatives à ce collier. Il est orné d’une petite corne à laquelle sont suspendus plusieurs symboles cosmiques (étoile, lune,…). Grietge tient dans sa main droite une friandise qui intéresse vivement un chien dressé sur ses pattes arrière.
Le « Portrait d’un enfant de six mois » (Pays-Bas du Nord, 1626) représente un enfant debout sur un sol de marbre noir et blanc. Chose impossible ! Ce bébé, en pied, a une attitude hiératique. Comme précédemment, le fond neutre et sombre fait ressortir la richesse du costume : tresses de fil d’or sur les manches et le bonnet, fine dentelle autour du col de batiste ainsi que du tablier aux pliures soignées. On retrouve le collier de corail rouge, ici à trois rangs, que portaient les enfants en bas âge. Une croix en or sert de pendentif ce qui permet d’en déduire que l’enfant appartient à une famille catholique. Il porte également, à chaque poignet, trois rangs de ces mêmes perles. L’enfant tient dans sa main droite un hochet d’argent à quatre grelots.
Un troisième tableau, « Portrait en buste d’une fillette » (Pays-Bas du Nord ?, vers 1635 ?). La représentation en buste est un format plus courant au XVIIème siècle. La frimousse suggère un air espiègle. Les grands yeux noirs regardent en coin. Elle porte un vêtement de couleur rouge agrémenté d’un col de fine dentelle en deux parties dont on peut admirer l’extrême délicatesse du rendu. De même en ce qui concerne la chevelure blonde toute en frisettes et ornée d’un bandeau ou bonnet peu habituel. La rosette de la ceinture, celle-ci portée haute, permet de dater le portrait du milieu des années 1630.
Autre portrait aux boucles blondes : « Portrait d’une fillette avec un chevreuil » (huile sur toile, vers 1675) dû au pinceau de Nicolas Maes (1634-1693). Elle est présentée dans un paysage boisé, au crépuscule comme l’indique la couleur rose du ciel. Le chevreuil se tient très proche derrière elle. De sa main droite, elle recueille, dans une coquille, l’eau de source qui coule des rochers. La fillette est vêtue d’un costume « fantaisie » : un sorte de tunique blanche sur laquelle est drapé un grand châle aux couleurs changeantes, dans les tons de rose, qu’elle retient de sa main gauche. Elle est chaussée de fines sandales. Une attitude peu naturelle pour agrémenter une scène de composition bucolique !
Nous retrouvons ce paysage champêtre dans le « Portrait d’une jeune fille cueillent des raisins» (huile sur toile, vers 1638/40) peint par Johannes (Jan) Mijtens (1613/14-1670). Nous nous trouvons à la lisière d’une forêt où coule un ruisseau. Une jeune fille interrompt sa cueillette pour nous regarder. Là aussi, elle porte un vêtement de fantaisie : une robe de satin bleu agrémentée d’une ceinture dont la couleur brune ocrée se confond avec le paysage alentours. Un rang de perles orne son cou ainsi que sa coiffure aux cheveux détachés. Arrêtons-nous sur deux aspects de la symbolique picturale : d’abord le raisin qui suggère l’innocence mais peut aussi constituer le simple élément d’un décor champêtre. Puis le pavot qui figure au premier plan à gauche dans le bas du tableau : il symbolise généralement la fertilité, ici sans doute celle de la famille de la jeune fille. Seules touches de couleur de ce tableau : ses feuilles d’un vert sombre et sa fleur rouge.
La chasse est un divertissement prisé. Nombreuses sont les familles faisant représenter leurs enfants en chasseurs et chasseresses. Ainsi en est-il du « Portrait de Cornelis van Groenendyck (1658-1704) » (huile sur toile, 1668) d’Abraham van den Tempel (1622/23-1672). Le garçonnet portraituré ici appartient à l’une des plus importantes familles de la ville de Gouda (Hollande méridionale). Il en fut d’ailleurs échevin (magistrat municipal adjoint au bourgmestre). Il porte un costume dont les couleurs de brun s’harmonisent avec le paysage environnant. Remarquons le bouillonné des manches, celui du jabot de dentelle. Sur sa main gantée, il tient un épervier. Le chaperon sur la tête de l’oiseau indique que la chasse est terminée. Ceci d’autant que les prises (deux oiseaux) gisent à ses pieds. A côté de ceux-ci, un filet enroulé autour de piquets, évoque une autre méthode de chasse. Cornelis est assis, sans doute appuyé contre un arbre. Sa tête blonde, tournée vers nous, nous regarde, un léger sourire aux lèvres. Un chien agrippé à sa jambe gauche complète le tableau.
Une huile sur toile attribuée à Jacob van Oost l’Ancien (1603-1671) présente « Trois jeunes gens, l’un dessinant ». Au premier plan, un adolescent est concentré sur le dessin (un visage) qu’il exécute sur une feuille de papier bleu. Rappelons que le dessin est la base du métier de peintre. Il faisait également partie de l’apprentissage que se devait de suivre tout jeune homme de bonne famille. Derrière lui, la main sur son épaule, un jeune homme vêtu de rouge, chapeau noir sur la tête. Ce geste protecteur laisse à penser qu’il encourage le dessinateur. Un troisième personnage complète la scène sans pour autant y participer. En arrière-plan, une balustrade baignée de lumière. Le décor ne donne pas réellement d’indications sur le lieu où elle se passe : un atelier ou la demeure d’un collectionneur ?
Un mot sur le prêt, par l’Amsterdam Museum, du « Portrait du peintre Jan van de Cappelle » de Gerbrand van den Eeckhout (1621-1674) qui retrouve son épouse « Annetje Jans Grotincx » peint par Jan van Noordt (1623/24-1676/86). Ce dernier appartient à la Fondation Custodia. Il s’agit de deux huiles sur toile (1653) que l’on nomme « pendant » dans la mesure où ils étaient accrochés ensembles sur un même mur. Généralement l’époux sur le panneau de gauche, l’épouse sur celui de droite.
Jan van de Cappelle (1626-1679) est un peintre renommé pour ses marines et ses paysages hivernaux. (L’un de ceux-ci est accroché entre leurs deux portraits : un lac gelé sur lequel des joueurs de palets s’adonnent à cette activité alors que des barques sont prises dans la glace). Le peintre est représenté à mi buste dans un paysage que l’on devine boisé. Vêtu de sombre (un costume orné de pompons qu’on devine sur l’épaule et les manches), le visage étant éclairé par la blancheur du col fermé par un double lien en fils argentés. Deux pampilles à l’extrémité. Il tient délicatement l’un d’elle de sa main droite. Regard franc dans notre direction… Fine moustache et lèvres légèrement entr’ouvertes qui esquissent un léger sourire. Son épouse est représentée sur un fond clair, un ciel ennuagé typique des tableaux de cette période. Egalement vêtue de noir, la blancheur de son bonnet, du grand col et des manchettes met en valeur son teint diaphane. Son regard semble passer par-dessus notre épaule. Ses lèvres sont légèrement fardées comme ses joues roses. Une délicate boucle d’oreille en perles pend à son oreille gauche. Les roses qui l’entourent indiquent que leur mariage peut être à l’origine de la commande.
Quittons l’univers des tableaux pour celui du dessin. Les portraits individuels d’enfants sont ici aussi à l’honneur. Et comme précédemment, le modèle, à de rares exceptions près, ne peut être identifié. Si certaines feuilles sont connues du public, nombre d’entre elles n’ont encore jamais été exposées. Ainsi en est-il du « Garçon jouant du violon entouré de chiens (Le Savoyard) » (eau-forte, 1658) de Karel du Jardin (1626-1678). L’air sérieux et appliqué du jeune garçon contraste avec l’espièglerie, le regard plein de malice de l’« Enfant jouant du tambour à friction » d’Adriaen van der Werff (1659-1722) présenté plus loin. Ce tambour à friction ou « rommelpot » est un pot de terre cuite couvert d’une vessie de porc dans laquelle on faisait passer un roseau ; la main humide faisait tourner celui-ci qui émettait alors un bruit de scie. Les enfants s’en servaient en faisant du porte à porte lors de diverses fêtes hivernales.
Des enfants endormis sont souvent représentés. Frans van Mieris l’Ancien (1635-1681) dessine (pierre noire) le fils d’un ami : « Willem Paets dans son berceau ». Le dessin est daté (en bas à gauche pour nous), du 15 (octobre, barré) novembre 1665. Willem Paets est donc âgé de deux mois et demi, puisque né en août de cette année-là. Le bébé, aux joues bien pleines, est profondément endormi. Les rayures noires, derrière lui, rendent l’ombre portée de la capote à bordure d’osier. Autre « Enfant endormi » (anonyme hollandais, 1666) : il l’est profondément, paisiblement ainsi que la tête enfoncée dans l’oreiller le laisse voir. Ici la technique de dessin mêle le gris de la pierre noire et le rouge de la sanguine. Cette dernière est utilisée pour le visage du nourrisson, souligne les fossettes de la main du bébé et encadre le dessin.
Parfois nous avons simplement l’étude d’une tête, telle cette « Etude de tête de fillette » de Cornelis de Vos (1584/85-1651). Il est indiqué qu’il y a, au verso, une « Esquisse de la charité » (pierre noire) que nous découvrons grâce à une reproduction photographique. La tête est dessinée sur un papier bleu à la pierre noire avec des rehauts de craie blanche. Un trait à l’encre brune encadre le visage. Douceur du modelé, joues rondes, mèches de cheveux délicatement bouclées encadrant le visage, rendu des cils, bouche mis close… Tout concourt à la délicatesse de ce portrait ! Il irradie de douceur !
Harmen ter Borch (1638- ?1677) représente sa sœur cadette « Jenneken ter Borch écrivant » (sanguine sur velin, 1653). Nous « entrons » là dans l’intimité d’une famille connue ! Le Père, Gérard l’Ancien (1582/83-1662) apprit à dessiner à l’ensemble de ses enfants dès leur plus jeune âge. Il conservait chacune de leurs productions en les annotant le plus souvent sur le recto. Sur le dessin exposé, cette mention figure en haut au milieu. Elle nous permet de connaître le nom et l’âge du dessinateur (Harmen, quatorze ans) ainsi que le prénom du modèle (Jenneken) qui est pleinement absorbée par ce qu’elle écrit. Remarquons la délicatesse du trait tant dans le rendu des manches de la robe que des fines boucles de cheveux qui encadrent le visage. Une scène comme croquée sur le vif où l’on sent poindre la tendresse. « Le choix inhabituel du vélin trahit la valeur spéciale que l’artiste attachait à ce portrait de sa sœur de treize ans » (in catalogue en ligne).
Une autre sanguine de leur frère Gérard ter Borch, le Jeune (1617-1681) : « Tête d’un jeune homme ». Le jeune garçon présente son profil gauche, les yeux levés. Le trait est précis et rend avec minutie les ondulations de la chevelure.
Les scènes domestiques, les scènes de repas sont également présentes. Ainsi la « Fillette mangeant sa bouillie » (anonyme hollandais du XVIIème siècle) : le dessin est exécuté à la pierre noire sur papier brun. Des rehauts de craie blanche éclaircissent le portait. La fillette est assise dans un fauteuil en bois et tressage d’osier d’après ce que nous devinons. Une cuiller dans la main qu’elle s’apprête sans doute à tremper dans un pot à gruau posé sur ses genoux. La bouillie est un repas ordinaire, composé de céréales et d’eau, voire de lait. La fillette tourne le regard vers sa droite. Elle semble visiblement enjouée, heureuse de ce qui se passe de ce côté-là !
Jacques de Gheyn II (1565-1629) représente « La Prière avant le repas » (vers 1595.) Il s’agit d’une gravure au burin signée en bas au milieu, dans l’une des bandes du carrelage du sol. La famille est réunie autour de la table au moment du bénédicité (rendre grâce à Dieu pour le don de nourriture qu’il fait aux hommes). Tous ont les mains jointes. Le père et le fils aîné lèvent leur regard vers le haut. Notons que seuls les parents sont assis, les enfants restant debout pendant que tous mangent. Un chien est aux pieds de sa maîtresse. Une servante apporte un plat alors que la seconde vaque à ses occupations dans ce qui peut être une cuisine en arrière-plan. La scène insiste sur la transmission des valeurs familiales. En témoigne la symbolique utilisée par l’artiste. D’abord la vigne qui grimpe sur le mur à côté de la mère : une référence au Psaume 128/127 qui compare la femme à une vigne féconde et les enfants à des plants d’olivier. D’ailleurs une pousse se trouve derrière chacun des enfants. Sur la gauche du dessin, nous remarquons un arbre au bord d’un ruisseau qui, lui, symbolise le père de famille. Sous l’estampe, un poème en quatre quatrains : il s’agit d’une interprétation de ce même psaume par l’humaniste écossais George Buchanan (1506-1582) dont on lit le nom sur la droite.
Une particularité : l’« Etude pour un portrait de famille » d’Adriaen van Ostade (1610-1685). En fait, il s’agit de trois études datant probablement du milieu des années 1680. Le groupement des personnages varie d’une feuille à l’autre bien que les parents restent plus ou moins au même emplacement. Leur posture, elle non plus, ne varie pas. Par contre, la place des groupes d’enfants est à chaque fois modifiée. « En plaçant les trois feuilles les unes à côté des autres, on a l’impression (…) d’accompagner l’artiste dans sa recherche de la meilleure composition ; celle dans laquelle il voulait sans doute faire ressortir l’amour filial et familial (...). Van Ostade a d’abord mis en place les figures au moyen d’une abondance de tracés libres au graphite : rien de plus que l’indication globale de leur emplacement à l’intérieur de la composition. Il a ensuite repassé certaines lignes à la plume et à l’encre pour cristalliser les différentes postures tout en prenant en compte les différents âges des enfants. » (in catalogue en ligne)
Nous retrouvons la signature de Rembrandt Harmensz.van Rijn (1606-1669) sur trois dessins datés des années 1640/1650. Le portrait (eau-forte) d’un petit garçon dessiné de profil. Un « Nu masculin, assis et debout (« Het rolwagentje », le Trotteur)», une eau-forte sur papier japon. Curieuse dénomination s’il en est ! Si notre regard se porte au-delà des figures masculines, la scène en arrière-plan représente une femme, accroupie, qui encourage un enfant à marcher vers elle. Ce dernier, les bras tendus, essaie d’avancer vers elle en s’aidant d’un trotteur (notre actuel youpala !). Les nus sont de jeunes hommes bien campés. Puis une « Femme portant un enfant sur ses genoux » (plume et encre brune, lavis brun et pinceau sec ou doigt) : il s’agit là d’un motif cher à Rembrandt. L’enfant est blotti dans les bras de la femme. Ses deux mains devant sa bouche, il nous regarde. Notons les « repentir » : la tête de la femme est, de prime abord, top loin de celle du bébé. L’artiste abaisse alors son visage et corrige les premiers traits, mais sans entrer dans les détails.
Les deux derniers dessins qui ont retenu notre attention sont de la main de Hendrick Goltzius (1558-1617). Un « Chien endormi » (vers 1596) avec au verso l’ « Etude du même chien, vu de dos » (pointe de métal ou graphite sur papier ou parchemin préparé jaune, issu probablement du carnet à dessin de l’artiste). Il s’agit d’un épagneul à perdrix de Drenthe, un chien d’arrêt à poil mi-long, lisse ou ondulé. Un soin particulier a été apporté au rendu de ce pelage. L’artiste a su rendre la tendresse qui était la sienne pour celui qui était très certainement son chien. Dans le « Portrait de Frederick de Vries » (gravure sur burin, signée et datée de 1597), nous retrouvons l’animal. Le jeune garçon s’apprête à partir à la chasse : il « enfourche » le chien tel un chevalier sa monture, un faucon prêt à s’envoler sur son poing droit. Tous deux, enfant et animal, nous regardent d’un air malicieux ! Remarquons la précision de la gravure : aspect noueux du tronc à l’écorce rugueuse… détails du vêtement dont le gilet semble briller et précision du rendu de la dentelle du col… longs poils du chien aux pattes de… lion !
Notre visite s’achève. Si notre choix fut exhaustif, il n’en demeure pas moins que les œuvres présentées offrent un beau panorama de la palette artistique des artistes de ce Siècle d’or. Elles nous permettent de mieux appréhender, de mieux comprendre les étapes préparatoires aux grands portraits de famille. A cette occasion, plusieurs tableaux ont été restaurés et replacés dans des cadres anciens. Les dessins, issus d’albums ou de porto-folio, ont eux-aussi bénéficiés d’un encadrement spécifique. Comme d’autres visiteurs, nous avons regretté l’absence d’un catalogue papier qui nous aurait permis de continuer notre voyage de façon plus palpable… Notons cependant l’excellence du catalogue en ligne qui, lui, est consultable tant sur place que… chez soi !