Concours final - Goettingen

Concours final - Goettingen ©
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Deux ensembles originaux et inventifs pour un Grand Prix

Le Preis der Göttinger Händel-Gesellschaft e.V (Prix de la Société Händel de Göttingen), est une récompense prestigieuse qui reconnaît les réalisations exceptionnelles dans le domaine de la musique de Georg Friedrich Haendel. La Göttinger Händel-Gesellschaft, basée à Göttingen en Allemagne, est une organisation dédiée à la promotion et à la préservation de l'héritage musical de Haendel. La société a été fondée en 1920 dans le but de faire revivre les œuvres de Haendel auprès du public. Göttingen, ville dotée d'une riche tradition musicale, était un lieu idéal pour une telle entreprise. Les efforts de la société pour faire revivre la musique de Haendel ont joué un rôle significatif dans la compréhension contemporaine et l'appréciation des œuvres du compositeur.

L'une des principales initiatives de la Göttinger Händel-Gesellschaft est le Festival International Haendel de Göttingen, qui se tient depuis 1920. Ce festival sert de plateforme pour la représentation des opéras, oratorios et autres compositions de Haendel, attirant des musiciens renommés, des chanteurs et des passionnés de musique du monde entier.

Le concours organisé pendant le Festival international Haendel de Göttingen est un événement passionnant et très attendu qui met en valeur les talents de jeunes musiciens du monde entier. Dans le cadre de l'engagement du festival à nourrir et à promouvoir les artistes émergents, le concours offre une plate-forme aux participants pour démontrer leurs compétences et leur interprétation de la musique de Georg Friedrich Haendel. Le concours est ouvert aux instrumentistes, chanteurs et ensembles spécialisés dans l'interprétation de la musique baroque, avec un accent particulier sur les compositions de Haendel. Les participants concourent dans différentes catégories, y compris la musique vocale, instrumentale et de chambre. Le concours est divisé en groupes d'âge, ce qui permet aux participants de se mesurer à leurs pairs et d'assurer un processus d'évaluation juste et équitable. Le concours offre une occasion unique aux jeunes musiciens de se faire connaître, de recevoir des commentaires d'experts renommés dans le domaine et d'établir des liens précieux au sein de l'industrie. Il sert de rampe de lancement aux artistes prometteurs, leur permettant de mettre en valeur leur talent et potentiellement d'attirer l'attention des agents, des managers et des organisateurs de concerts.

Tout au long du concours, les participants sont évalués en fonction de leurs compétences techniques, de leur musicalité, de leur interprétation et de leur présence sur scène. Le jury est composé de musiciens, chefs d'orchestre et musicologues réputés qui possèdent une profonde compréhension de la musique de Haendel et du style baroque. Ils évaluent soigneusement chaque performance, en tenant compte d'aspects tels que la précision de l'exécution, l'authenticité stylistique, l'interprétation expressive et l'impact artistique global. Le concours se termine par un tour final passionnant, où les participants les plus exceptionnels de chaque catégorie s'affrontent pour les premiers prix. Les finalistes ont la possibilité de se produire sur la prestigieuse scène du festival, accompagnés d'orchestres professionnels ou d'ensembles de chambre. L'atmosphère est remplie d'anticipation alors que les finalistes livrent des performances captivantes et inspirantes, rivalisant pour la reconnaissance et les acclamations.

À la fin du concours, les gagnants de chaque catégorie sont annoncés et célébrés lors d'une cérémonie spéciale de remise des prix. Les prix comprennent souvent des récompenses en espèces, des bourses, des offres de concert et des enregistrements. La reconnaissance reçue par le biais du concours constitue une réalisation importante dans la carrière des participants, affirmant leur talent et leur dévouement à l'art de la musique de Haendel.

La première partie du concert de récompenses de cette année s'est déroulée à la Sankt. Albani-Kirche (église Saint-Alban) de Göttingen, magnifique église connue pour son importance historique et son acoustique exceptionnelle. C'est un lieu prisé de concerts, en particulier ceux de musique classique et de compositions sacrées. La riche beauté architecturale et l'atmosphère captivante de l'église créent un cadre mémorable pour les concerts. L'intérieur exquis de l'église, orné de vitraux complexes, de hauts plafonds voûtés et de détails ornés, offre une toile de fond visuellement époustouflante pour la musique.

Grâce à l'acoustique exceptionnelle de l'église, le son résonne magnifiquement dans tout l'espace, créant une expérience auditive immersive et captivante pour le public. Les tons chauds et réverbérants améliorent les sonorités, en particulier celles mettant en vedette des chœurs, des solistes vocaux et des ensembles, permettant à la musique de remplir l'air avec profondeur et clarté. L'ambiance intime et sereine de la St. Albani-Kirche se prête également bien aux solos instrumentaux.

L'ensemble Barock_Plus et le Duo Agion ont remporté le concours. Dans le cadre du prix décerné par la Göttinger Händel-Gesellschaft e.V., les ensembles lauréats se sont produits lors d'un concert à la St. Albani-Kirche le 24 mai, en deux parties.

Le Duo Agion a commencé le concert au milieu de l'église, se déplaçant avec des sons pré-enregistrés, les mélangeant avec le son du clavecin et du violon, une véritable expérience en quatre dimensions. La première pièce était du violoniste Semion Gurevich lui-même, une Fantasie Narziss und Echo, inspirée des thèmes de la Sonate in D-Dur (Sonate en ré majeur) HWV 371. De nette influence baroque, cette pièce a été suivie par les harmonies de la sonate originelle de Haendel, jouées avec une grande virtuosité dans l'Allegro, contrastant avec le profond Larghetto.

Puis l'ensemble Barock_Plus a joué des thèmes sur le mythe de Daphné, dont une adaptation de l'air de Haendel Ardi, Adori e preghi in vano d'Apollo e Dafne (HWV 122), ici interprété par deux flûtes à bec, un violoncelle et le clavecin. Musicalement, l'aria se caractérise par son caractère dramatique et virtuose. Il commence par une introduction orchestrale fougueuse et agitée, utilisée plus tard dans Rinaldo comme une effusion passionnée d'émotions. La ligne vocale très expressive, avec des passages de colorature élaborés, des embellissements mélismatiques et des sauts vocaux que les flûtes ont présentés ici avec une grande habileté technique et agilité.

Après une Sonata a Doi de Francesco Turini (1589-1656), le Duo Agion revient pour la Suite nr. 5 G-Dur (Suite n°5 en sol majeur) de Friedrich Wilhelm Marpurg. Ici, le Duo a présenté une courte mise en espace, avec des coquillages sur scène, et une fausse petite histoire d'amour mise en scène par le violoniste, mettant en scène la structure question/ réponse de la pièce. Un Aria sopra la Bergamasca de Marco Uccellini (1610-1680) évoquant les oiseaux chantés par les jeunes flûtistes techniquement doués clôturait la première partie.

Après la pause, la musique de Purcell servit d'inspiration pour agrémenter les cris d'animaux. Ici, l'ensemble Barock_Plus a présenté Liquid Sounds, une improvisation aux sons d'eau et de poissons sur Two in one upon a ground de Purcell. Encore une fois, un acte créatif et spontané, permettant aux musiciens d'explorer de nouvelles idées et textures musicales. L'incorporation de sons d'eau et de poissons dans une improvisation ajoute un élément intrigant et évocateur à la performance, créant une expérience sonore unique. La juxtaposition de ces sons naturels avec la composition de Purcell crée un contraste intéressant ou complète les thèmes musicaux sous-jacents. Cette surprenante improvisation était suivie d'une composition contemporaine de Pascal Hülbig (*1999), puis d'un arrangement des Water Music de Haendel, de la Sonate en mi mineur Op.25 N° 4 de Michel Corrette (1707-1795) intitulée « Les Amusements d’Apollon chez le Roi Admète » et des Variations de Vivaldi sur La Follia.

Pour finir, les deux ensembles ont joué ensemble un autre arrangement de Purcell, Three parts upon a ground. Comme Two Parts upon a Ground, ces deux œuvres instrumentales composées par Henry Purcell, sont des exemples de variations de basse, une forme populaire de l'époque. Dans les deux pièces, Purcell prend une ligne de basse répétitive, connue sous le nom de basso ostinato (basse obstinée), et construit de multiples variations par-dessus. La basse obstinée sert de base, fournissant un cadre musical stable et récurrent, tandis que les parties supérieures explorent les variations mélodiques et un contrepoint complexe. Two Parts upon a Ground présente deux parties supérieures ou voix qui s'entremêlent et interagissent les unes avec les autres. La pièce met en valeur l'habileté de Purcell à créer des lignes mélodiques et des harmonies, créant un dialogue convaincant entre les voix. Les variations évoluent tout au long de la composition, offrant une gamme variée de textures et d'ambiances. De même, Three Parts upon a Ground développe ce concept en introduisant une troisième voix. Avec l'ajout de la troisième partie, Purcell enrichit encore les possibilités harmoniques et contrapuntiques de la composition. L'interaction entre les trois voix crée des tapisseries musicales complexes et met en valeur la maîtrise de l'écriture polyphonique de Purcell.

Two Parts upon a Ground et Three Parts upon a Ground illustrent donc la musique de Purcell avec une ingéniosité juxtaposée et sa capacité à créer une musique captivante dans un cadre structuré avec lequel les artistes ont expérimenté des concepts imaginatifs, y compris l'intégration d'éléments non conventionnels, comme les sons naturels. Ceux-ci ont valorisé les interprètes et les auditeurs pour leurs variations inventives, leur dynamisme rythmique et leur richesse harmonique.

Le concert s'est terminé en célébration des lauréats autour d’un verre de sekt (crémant).



Publié le 16 juin 2023 par Pedro Medeiros